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　　“青年艺术家沙龙”项目自2023年五四青年节启动以来，目前已为绘画、书法、摄影、设计、雕塑、装置、影像、数字艺术、综合材料绘画等不同艺术门类的21位优秀青年艺术人才举办个人展览及开幕式、研讨会、作品分享会、工作坊等各种形式的相关活动50余场，这对青年艺术家创作与实践的提升和发展有着重要作用。三年来，参与本项目的有艺术院校师生、文化工作者、自由艺术家等来自不同领域的青年艺术家，本项目始终秉持着公平开放、多元包容的原则，为来自全国各地的青年艺术家提供了展示的舞台。王蔚卿的展览是2026年开年的第一个展览。

　　感谢郝伊老师，感谢各位。我的《安静的存在》系列创作，始于一次偶然的田野调查触动，在此之前，我的绘画题材主要聚焦于城市中的菜市场。2024年，我随导师前往蓝田鲍旗寨写生。在山林中，被一个景象所吸引：在一堆村民收集的原木旁，静静地停靠着一辆共享单车。这个象征着高度流动与短暂使用的现代文明符号，如此突兀却又如此自然地“泊”在了这片原始而静谧的乡土环境中，仿佛它本身也是从土地中生长出来的一段根茎。这种强烈的对比与并置，带给我一种难以言喻的诗意与触动，于是我画下了这个场景，这便成为了本系列的第一幅作品。

　　这幅画的完成，宛如一把钥匙，为我开启了一扇全新的感知之门。我开始意识到，这种“文明的静物”与“原始场域”之间的沉默对话，并非孤例。在我们日常生活中，尤其是在那些时光流速似乎放缓的老社区与乡村，存在着大量类似却被普遍忽视的角落：人们习惯于将那些不再具有实用功能、却又未被彻底丢弃的旧物——一把藤条散落的椅子、一个漆皮斑驳的木柜、几只废弃的陶罐——随意堆放在房前屋后、街角墙边。它们脱离了原有的工具属性，以一种近乎“无用”的状态存在着。历经日晒雨淋、尘覆土掩，它们不再是生活的附属，反而仿佛与那片土地、那面墙壁、那段光阴融为了一体，呈现出一种因“废弃”而获得的自由，因“遗忘”而沉淀出的时间尊严。它们不再是风景的配角，其自身便构成了一片完整而静默的风景。

　　正是从那一刻起，我的写生观念发生了转变。我不再仅仅追寻传统意义上“如画”的景致，而是将全部注意力，聚焦于这些散落在生活边缘的静默“存在者”。在我眼中，它们并非废弃物，而是我们这个高速迭代时代最诚实、最谦卑的“见证者”。描绘它们，就是为这些行将消逝的“见证者”绘制肖像，是以凝视的方式，打捞那些被主流叙事轻易略过的微观历史与集体情感。我的画笔试图追问：在有用与无用、崭新与陈旧的二元对立之外，是否存在着另一种更恒久、更接近事物本质的“秩序”。这或许正是“自然的秩序”在我内心深处的回响。

　　我先从观展者的角度分享一些感受。今日入馆时观众不多，首先整个展厅架上作品的数量给我带来了强烈的视觉冲击，这种“量的堆积”本身形成了一种气场。在特定的观看距离下，我能深切感受到画面传递出的静谧感，并且几乎所有的作品都保持着相近的透视关系，这暗示着艺术家（王蔚卿）与所绘场景之间维持着一种稳定而持续的观察距离。后边那批尺幅较小的作品，视距虽略有拉近，但观看的逻辑是一致的。这种高度的一致性强化了展览整体的秩序感。进而，我会不自觉地揣摩：艺术家本人究竟在思考什么？他能长期扎根于乡村进行创作，对当代青年而言实非易事。我们过去与导师讨论过类似议题，轮到我自己，我必须承认我难以做到——我更适应快节奏的环境，完全沉入那种状态对我是一种挑战。因此，在一届届学生中，能真正坚持下来、深入生活并完成如此体量作品的人，实属凤毛麟角。我由衷为蔚卿感到高兴。

　　此外，由于我的创作主要围绕装置展开，对空间可能更为敏感。我认为本次展览旨在传递一种平静的美学，但正如郝老师方才所言，或许可以融入些许灵动的元素以丰富视觉。当然，如果“极致平静”本身就是艺术家的核心追求，那么或许可以走向更为绝对和纯粹的境地，让观众完全沉浸于那种静默的氛围中，或许能更直接地接收到作品意图传递的信息。这只是我的个人感受。值得一提的是，本馆展厅空间自带一种古朴气质，与作品的整体气息颇为契合。

　　接下来我也简单介绍一下自己的近况。我目前的状态与研究生在读的各位略有不同，我已毕业并较为顺利地进入一所学校，主要负责艺术顾问工作，内容包括校内展厅的策展，以及一个名为“丝绸文化之路”的国际艺术交流项目（将学生的作品送往海外展出）。我非常享受这份工作，它与我的过往积累较为匹配。我感受到的一个显著变化是：学生时代接触的圈子与视野相对有限；工作后，每天需要面对不同的孩子、家庭乃至更广阔的社会层面。孩子们的作品或许在技法上尚显稚嫩，但他们画面中天然流露的叙事逻辑，与蔚卿作为艺术家试图表达的深层逻辑，在本质上或有相通之处。我协助他们策划展览，甚至将他们的手工作品转化为空间装饰，反响良好。这个过程也为我带来了巨大的成就感。对我而言，一个重要的思维转变在于：以往创作时，我是绝对意义上的“主体”，一切围绕我的想法展开。但攻读研究生后，我逐渐意识到，在许多作品中，我虽是创作者，却未必是唯一的“主体”。若完全固守主置，有时反而会限制表达的广度。因此，我现在更倾向于一种“去主体化”的思维方式，在工作中也是如此——不过度强调自我的中心位置。这于我而言是一种有益的思维转换。目前我的工作主要面向公众，与多元群体互动，但其内在逻辑仍有相通之处。我个人的创作也更倾向于社会参与性质，通过影像、文字等方式记录特定活动或社会现象，艺术家作为介入者，再生成不同形式的成果。

　　作为蔚卿的同门，我十分钦佩他。正如前面两位所言，在当今这个崇尚快节奏、短视频的社会，他能沉心静气地扎根乡村进行创作，这份定力难能可贵。其次，观看整个展览，于我而言仿佛目睹了一次个人艺术风格的探索与演进历程。例如最早那幅自行车的作品，能感受到他初期更为感性的塑造方式；而越到后期的作品，理性构建的秩序感越发鲜明，呈现出一种从感性驱动到理性归纳的过渡轨迹——这像是他在摸索并确立个人视觉语言的过程。展览后期作品已展现出强烈的个人风格与秩序感。

　　正如瑾萱所言，在创作初期，我基本遵循写实路径，所见即所画。在筹备日本京都的展览前后，我开始对画面进行主观调控——如果物件过于繁杂，我会做减法；如果物品的摆放位置不利于画面结构或意境表达，我也会在绘画过程中进行调整。早期我创作较为执拗，认为必须完全忠实于对象。但随着实践的深入，我逐渐认识到，绘画并非机械复制，需要融入个人的思考与判断。例如，某个物件置于画面何处更能强化表达效果。我开始有意识地在创作中注入这类主观考量。

　　我本科攻读视觉传达设计，这一领域表面机会众多，但实质消耗巨大。我的老师曾坦言，其工作强度对女性构成严峻挑战，职业黄金期可能较为短暂。实习期间，我曾为修改方案熬夜至凌晨，最终却因客户方因素被全盘否定，这让我深感自己如同生产线上的螺丝钉，缺乏创造性与不可替代性。因此，我选择考研转向公共艺术。在我看来，视觉传达领域因从业者众而竞争同质化严重，我希望构建复合型的知识背景，塑造独特优势。未来我倾向于从事艺术教育，我的策略是：在公共艺术领域，成为最精通视觉传达的人，从而拓宽自身的发展路径。

　　我近期也在筹备一个个展，结合了我的视觉传达背景，聚焦于数字艺术。我的创作理念与蔚卿追求的静谧不同，我个人更偏爱强烈的视觉对比与冲突。我提取了两个核心元素：X光片与中草药。X光片于我而言是西方理性思维与科学秩序的结晶，它将人体视为可分析、可切片的对象；而中草药则蕴含着东方文化的某种神秘感与自然哲学。我将代表理性、秩序感的X光影像，与带有生命质感、神秘气息的中草药根茎（如人参）进行并置与融合。两者在方法论与感知维度上存在显性冲突，但其终极目的却都指向“疗愈”或“调和”，体现了一种殊途同归的智慧。我试图在作品中呈现这种对立与统一，目前正在创作一系列相关作品。

　　我接着分享我的经历，研究生三年级时，大家普遍处于一种内在焦虑的状态，表面平静，实则心绪浮动，彼此见面都能感受到一种低压氛围。我当时求职，也时常听闻艺术行业就业不易、出路狭窄，成为职业艺术家难度极大，多数人需优先考虑生计。我不断自问：我究竟适合何种工作？在此过程中我走了不少弯路。我曾迫切希望证明自己，海投了大量简历。我曾获得一所学校的录用机会，却因前期了解不足而放弃；也曾差点加入一个心仪的艺术家团队，最终因无法接受其常年出差的工作模式而作罢。几经波折，才找到目前学校的工作。这段经历让我有所体悟：在普遍焦虑的环境中（无论是为谋生焦虑，还是为方向焦虑），首先需厘清自身的能力长板——听罢各位的发言，深感每个人的性格与优势确实各异；其次需明确自己真正渴望从事的工作类型，并结合特长进行匹配。实际上，艺术相关的工作门类比我们想象中更为多样。我那年的求职经历，彻底刷新了我对艺术行业就业可能性的认知。只要不囿于特定地域，机会其实很多。因此，有时他人向我倾诉焦虑，我会认为：或许无需过度焦虑，只要勇于尝试与探索，总能找到适合自己的路径。另一点感触是，许多人极度追求“稳定”的工作。当我进入目前所在行业时，家人也认为“教师”听起来社会认可度高、稳定、受外界波动影响小。但我的体会是：本质上并无绝对稳定的工作，一切皆处于流动与变化之中。只要自身保持持续学习与成长的状态，便能在任何环境中获得立足之地。想通这一点，便不会因盲目追求“稳定”而陷入过度焦虑。