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　　对于熟悉中国当代艺术的人来说，蔡锦的名字始终与一种极具辨识度的视觉经验相连。在近几个月的时间里，她的艺术以一种井喷式的姿态占据了公众的视野。除了北京东城区雍和家园 AYE 画廊正在展出的“花朵的身体即兴”，北京今日美术馆也同步推出了题为“身体·物性·绘画：蔡锦（1990-2025）”的大型回顾展，而更广泛地，在北京民生现代美术馆正在举办的群展“色彩之巅！法国蓬皮杜中心馆藏艺术大师特展”中，她的作品亦在粉色板块与意大利“空间主义”大师卢齐欧·丰塔纳的作品并置。

　　正因如此，这次 AYE 画廊呈现的植物作品，并不是对早期《美人蕉》的简单重复或变奏。蔡锦谈到，她近年来对植物的再次关注，更多来自于绘画状态本身的变化——色调在变，节奏在变，身体对画布的反应也在变。如果你仔细观察这些新作，会发现色调发生了显著的迁移。从早年的“满眼皆红”，到近十年来，绿色、灰色、黄色甚至更多元的色彩开始占据画面。蔡锦说这种变化并非刻意的主题转换，甚至她自己都不清楚确切的原因，可能是搬到李桥工作室后周遭树林的影响，也可能就是不同时期心境的自然折射。这种色彩从热烈到沉着、从单一到丰富的演变，映射出的是艺术家生命节奏的变迁。植物，在这里成为一种最直接、也最不需要被解释的载体，让绘画回到了感知层面，回到了一个更加广阔、更加自由的春天。

　　在“身体·物性·绘画”的现场，我们可以看到蔡锦是如何将那种油画中特有的肉感和体量感移植到线 年的席梦思床垫，到后来的丝绸被面、亚克力、硅胶，再到画满油画颜料的浴缸、自行车座、高跟鞋，蔡锦的艺术疆域其实一直都在纯绘画内外游走。这些物品并非简单的现成品挪用，它们都被赋予了那种标志性的、黏稠的、充满生命质感的色彩与肌理。特别是那些被画上风景或花卉的自行车座，它们如同一个个被异化的肉身，既柔软又坚韧，既日常又荒诞。这种对物性的探索，使得今日美术馆的展览不仅仅是一次绘画的回顾，更是一次关于物质形态的考古，展示了蔡锦如何将绘画的触觉经验延伸至三维空间。

　　而在另一个维度上，蔡锦在北京民生现代美术馆的“色彩之巅！法国蓬皮杜中心馆藏艺术大师特展”中，与丰塔纳的作品并置，也显得耐人寻味。在那里的粉色板块，丰塔纳用刀片划破画布，试图打破色彩的平面，引入一种虚无的无限空间；而蔡锦则是用厚重的油彩填满画布，让色彩像有机体一样增殖、堆叠。两者虽然都使用了粉色，路径却截然不同：丰塔纳是减法，是向外的突围；蔡锦是加法，是向内的积蓄。但当二者并置时，观者却可以发现其中对于身体和情感描绘的共通之处。

　　这种笨拙的坚持，在当下反而显出一种珍贵的格调。蔡锦自称是一个“想思考也思考不起来”的人，甚至有些羡慕那些思维缜密的策展人。她只想“把眼前的做好”，这种朴素的创作观，却支撑了她三十余年的持续产出。更有趣的是，她的许多艺术实践并非出于宏大的战略规划，而是源于随缘。例如她在天津美术学院设立的“蔡锦奖学金”，仅仅是因为当年怀孕滞留美国，觉得自己不能上课对学校有亏欠，便想用那点钱做点弥补，谁知这一做就是十七年；又如她在 798 的“蔡锦空间”，起因竟是因为画室突然要拆迁，学生帮忙找了临时落脚处，朋友们坐在一起聊着“不如做点活动”，便自然而然地开始了。这种“没有太多思考”的起步，反而成就了她在体制之外最具生命力的艺术社区。